Avant d’entrer dans le vif du sujet, je tiens à préciser que, étant petite, je regardais certes en boucle les films de Disney, mais aussi les films auxquels The Artist rend hommage. Ainsi, forcément, j’avais de très grandes attentes. Et je dois dire qu’elles n’ont pas été satisfaites…

En bref, je vous le conseille pour vous faire votre propre avis et pouvoir participer aux débats endiablés (si, si !) autour de l’inondation de prix et de nominations en tout genre – à mon sens certains prix et nominations n’ont aucun sens, notamment celle de la meilleure musique aux Oscars. Mais je vous conseillerai ensuite de voir les originaux des films auxquels Michel Hazanavicius a voulu rendre hommage. Au risque de passer pour une snob puriste !

Un film de : Michel Hazanavicius
Pays d’origine : France
Avec : Jean Dujardin , Bérénice Béjo, John Goodman, James Cromwell, Malcom McDowell
Durée : 1h40
Date de sortie en France : 12 octobre 2011
Vu en : VO
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Tatoe

Tatoe est une rousse cinéphile, collègue et consœur de Diraen et qui publiera essentiellement des critiques ciné - même si elle essaie secrètement de convaincre Diraen de la laisser faire des critiques musique sur ce blog (tout en pensant qu'en vrai elle serait infoutue de mettre des mots sur ce que la musique peut lui faire ressentir).

C’est mon péché mignon : D’abord, comme je suis bavarde, quand on m’invite à parler, je suis aux anges ! Et puis s’incruster dans les podcasts des autres, c’est trop bien : pas trop de préparation, on raconte ce qu’on veut pendant l’enregistrement et on se prend pas la tête sur le montage et la diffusion, c’est reposant.
Bref, J’ADORE !

Du coup, le dernier podcast dans lequel j’ai sévi, c’est Bazingcast, du réseau Freepod  :

Bazingcast, le podcast réformé P4, qui vous parle de la culture geek dans toute sa diversité.

Piouf, Misha, Krilin, Xil, Trollin et leurs invités vous parlent d’actualité High Tech, de politique, de débat de société, de séries, de jeux de rôles et de beaucoup d’autres de leurs passions.

Ça tombe bien parce que l’une de mes passions, c’est le jeu vidéo, que j’y exerce mon métier.
Donc du coup, avec un sujet comme “Du travail dans l’industrie du jeu vidéo“, j’avais deux bonnes raisons d’aller rencontrer l’équipe de Bazingcast .

Un nouvel épisode thématique qui se concentre cette fois ci sur l’industrie du jeu vidéo et plus précisément les métiers, les formations, les conditions de travail. Il y a beaucoup à dire sur cet industrie très particulière qui fait rêver à tort ou à raison tout un tas de gamers.

Alors je vous préviens de suite, chez Bazincast, ils sont fous (c’est pour ça qu’il faut les écouter !) et même si cet épisode est relativement posé, il n’est pas forcément à l’image du reste des émissions, je le sais, j’étais aussi là pour l’épisode Bazingcast #22 « 22, v’là les prussiens ! ».

Quand je vous dis que je suis squatcasteuse professionnelle !

D’ailleurs demain soir si tout va bien, je reviens éditer  ce billet avec une maj. sur un podcast auquel j’ai participé mais qui n’est pas encore dispo (no spoil !).

Et pour toi au fond qui n’arrête pas de grommeler “Et sinon ? Coups Critiques ?” (si, si, je te vois…) ben je réponds : “Bientôt.”
Non mais sérieusement, bientôt quoi.
Genre le mois prochain.
Ou celui d’après.

Diraen

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Voilà le tableau du personnage principal auquel on est censés s’attacher. Pas facile…

Si on se laisse entraîner dans ce tourbillon de guest stars (apparemment JoeyStarr est devenu un accessoire chic) (néanmoins efficace), il est tout à fait possible de passer un bon moment.
Il faut admettre que ce “héros” puant est plutôt malmené tout au long du film et c’est assez agréable à regarder. Sans compter que certains dialogues sont assez savoureux.

En revanche, si vous cherchez une réflexion sur l’amour, passez votre chemin. De toute façon, le personnage principal (Gaspard Proust, mou du genou à souhait) n’est pas amoureux d’Alice (Louise Bourgoin, fraîche et virevoltante), il est obsédé par elle, tout au plus. Mais amoureux certainement pas. C’est d’ailleurs dit dans le film “Tu confonds amour et désir”. Et si ça c’est l’amour…eh ben merde alors, c’est bien vide. Pardonnez ma vulgarité !

Petites mentions spéciales aux personnages secondaires : le couple improbable campé par Frédérique Bel et Jonathan Lambert, notamment dans une scène où Lambert est assis sur les genoux de sa future femme et où ils nous font un parfait numéro de ventriloque, elle étant le marionnettiste et lui la marionnette. Quel beau tableau que cette représentation du mariage !
De même, JoeyStarr qui ne semble pas si intéressant au début du film – il joue le meilleur ami – offre au final un beau revirement de situation particulièrement drôle.

Sans parler des parents du héros (Annie Duperey et Bernard Ménez) qui donneraient des raisons de devenir névrosé à n’importe qui ; ni de l’éditrice, jouée par Valérie Lemercier.

Passé tous les clichés sur les relations hommes / femmes – plus de sexe après le mariage ; le pote gay hétérosexuel, comprendre avec lequel la fille veut une relation platonique (réplique qui a d’ailleurs beaucoup fait rire les hommes, et uniquement les hommes dans la salle), etc. On finit par passer un moment assez agréable et on rit ! Donc allez voir ce film comme une comédie romantique légère et amusante. Sans plus.

Un film de : Frédéric Beigbeder
Pays d’origine : France
Avec :  Louise Bourgoin, Gaspard Proust, JoeyStarr, Jonathan Lambert, Frédérique Bel, Nicolas Bedos, Valérie Lemercier, Elisa Sednaoui, Anny Duperey.
Durée : 1h38
Date de sortie France : 18 janvier 2012
Vu en : VO (VF)
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Tatoe

Tatoe est une rousse cinéphile, collègue et consœur de Diraen et qui publiera essentiellement des critiques ciné - même si elle essaie secrètement de convaincre Diraen de la laisser faire des critiques musique sur ce blog (tout en pensant qu'en vrai elle serait infoutue de mettre des mots sur ce que la musique peut lui faire ressentir).

J’ai tout reçu la semaine dernière et je ne résiste pas à l’envie de montrer mes deux nouveaux trésors.

D’abord la version avec pochette collector, rien d’exceptionnel dans la forme si ce n’est le CD avec sa sérigraphie à l’image de la couverture qui m’a tant séduite.

Le groupe ne s’est pas moqué de ses fans avec cette édition qui contient un livret unique. Les paroles sont mises en page avec une typo assez dark, à l’image des illustrations exclusives de la main de Marco Coti-Zelatime. Le livret “classique” est lui plus court (un feuillet en moins) et plus sobre : les textes ont une typo assez banale qui ne se singularise que grâce à son N à l’envers.

Le livret est classique mais pas désagréable, avec des photos des membres chacun mis en scène avec son shoot de “Dark Adrenaline” à la main ou à côté.

A l’intérieur du coffret, on trouve l’édition digipack double CD et à l’ouverture de celui-ci, on tombe sur une photo du groupe assez sympa avec, en sur-impression glacée, la formule chimique de la fameuse “Dark Adrenaline”.

A l’intérieur, le CD audio et sa sérigraphie representant des volutes de Dark Adrenaline d’un côté et le DVD Dark Passengers de l’autre avec une sérigraphie de fiole de Dark Adrenaline. (Oui, le thème est bien cette substance noire qui donne son nom à l’ablum et le packaging ne laisse aucun doute à ce sujet).

Le coffret collector contient également un petit sachet de 3 badges, toujours sur le même thème, ainsi qu’une cristal box pour ce qui a été annoncé comme un “calendrier”.
Sauf que vu la tête du boitier je ne voyais pas trop comment est-ce que ça allait pouvoir se présenter.
Et pourtant c’est tout simple : sous forme de petits cartons.

Du coup, on trouve à l’intérieur pas moins de 16 cartons en plus de la couverture, avec photos du groupe (agrémentées de phrases clés tirées des paroles de certains titres), dessins (tirés du livret de l’édition collector) et évidement les mois de 2012, sinon ce ne serait pas vraiment un calendrier !

En définitive, je suis vraiment ravie de mes deux achats et bien content de ne pas avoir eu à choisir parce qu’en les deux, mon coeur balance. Définitivement !

Le reste des photos de déballage sont ici !

Diraen

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J’ai adoré le premier et même si mes souvenirs du 2 sont plus diffus, je me souviens avoir passé un bon moment.
C’est quand j’ai commencé à partager mon enthousiasme à haute voix que le doute s’est installé.
A cause de la tête des gens.

Ou plus exactement de leurs regards terrifiés :
« Wooow, ils ont osé en faire un quatrième ? Alors que le 3 était une sombre bouse ?
- Ah bon ? Y a eu un 3 ? Je savais pas…
- Ben on s’en doute hein… Sinon t’aurais jamais accepté de voir le 4 ! »

Mais bon, moi j’aime bien vivre dangereusement donc j’y suis quand même allée.

Alors annonçons directement la couleur, Underworld 4 n’arrive pas à la cheville de son grand frère, mais reste un bon divertissement.
Je ne vous ferais pas ma petite crise à propos de ce futur qui ne ressemble même pas au présent, mais plus aux années 90 avec leurs bons gros écrans cathodiques, sans qu’on est l’ombre d’un début d’explication à ce qui aurait pu être un choix mais s’avère n’être qu’une faute de goût et je vous parlerai plutôt de l’histoire.
Ce qui est le plus étonnant, c’est qu’il ait fallu quatre scénaristes et un seul superviseur des effets spéciaux pour arriver à un tel résultat : un scénario qui tient sur un ticket de métro mais habillé par des effets spéciaux qui claquent.
Rien de totalement surprenant ou de fabuleusement novateur mais toutes les transformations, mutations et autres fantaisies s’intègrent parfaitement à l’image. A deux trois exception cependant…
En fait, à l’exception de tout ce qui a été filmé dans l’intention d’avoir un rendu « 3D qui tabasse » (mention spéciale au fouet d’argent, juste « lolilol »).

Au final, niveau réalisation, pas de quoi se pâmer non plus.
Les plans ne sont pas follement imaginatifs ou artistiquement fouillés, le comportement de certains perso est juste complètement aberrant et les personnages secondaires sont eux aussi, assez fades.
C’est un vrai gâchis car il y avait certainement matière à broder des intrigues secondaires ou en faire des personnages impressionnants. Mais tout cela n’est même pas effleuré.
La faute à des acteurs majoritairement aussi charismatiques qu’une bourriche d’huitres…

Heureusement, tout n’est pas à jeter dans Underworld . D’abord il y a Kate Beckinsale, toujours aussi jolie, magnifiquement moulée dans sa tenue de latex noire, toujours aussi charismatique et étrangement crédible dans son rôle de vampire surpuissante mais sexy en toute circonstance.
C’est aussi un vrai plaisir de découvrir Charles Dance (alias Tyrwin Lannister dans Game of Thrones) en patriarche protecteur (mais plop à la fin, ça aurait été tellement bien de donner plus d’épaisseur au personnage que le seul charisme naturel de l’acteur).
Et puis au moins ici, les vampires ont le bon gout de ne pas briller à la lumière du jour et de se pourlécher les babines quand leurs crocs sont luisants de sang. Ce qu’on attend de vampires pour peu qu’on préfère Anne Rice à Stefanie Meyer et qu’on ait découvert cette mythologie avant 2005…
(D’ailleurs la campagne de pub française ne peut s’empêcher d’y faire allusion…)

Le rythme global du film est très intense, on ne voit pas le temps passer durant cette perpétuelle course contre la montre. Même si durant le premier quart d’heure, Måns Mårlind et Bjorn Stein, les deux réalisateurs usent et abusent des fondus au noir épileptiques, ils arrivent à insuffler à leur film du souffle, du rythme.

En résumé, on ne s’ennuie pas un instant. Dommage que ce quatrième épisode de la saga Underworld n’aille pas plus loin que le divertissement pop-corn. A peine vu et déjà oublié, il ne mérite pas vraiment le prix de la place de ciné, à moins que vous ne bénéficiez d’une carte illimitée. Dans ce cas, ne boudez pas votre plaisir!
Les vrais fans d’Underworld premier du nom, eux, devront attendre encore un peu avant de voir un nouvel épisode dans la ligné du premier film.

Un film de : Måns Mårlind et Bjorn Stein
Pays d’origine : États-Unis
Avec : Kate Beckinsale, Stephen Rea, Michael Ealy, Charles Dance
Durée :  1h30
Date de sortie France : 8 février 2012
Vu en : VOST.

Diraen

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Le film débute lors de l’affectation de ce professeur remplaçant, qui a pour règle de ne jamais s’attacher (oui, ne cherchez plus l’explication du titre) ni à l’environnement ni aux élèves du lycée auquel il est affecté.

La structure du film est triple : la majorité du film raconte cette période de replacement. De façon ponctuelle, on peut voir apparaître à l’écran un Adrien Brody du présent (il a les cheveux plus longs, signe du temps qui est passé au cinéma) qui analyse cette période de sa vie ; il a l’air d’être en thérapie. Et enfin, surgissent parfois à l’écran des images façon sépia, bobine 8mm d’un petit garçon et d’une femme, sûrement sa maman. Dans ces scènes, pas de dialogues – si tant est qu’on puisse parler de scènes. Il s’agit plutôt de sortes de flashes brefs, issus, comme on le comprend rapidement, de l’enfance du personnage principal.

Le réalisateur s’intéresse aux failles du système éducatif américain (entre autres) : manque de moyens, manque de considération pour les professeurs, manque de repères des élèves et le manque de communication en général.
Les membres du corps éducatif sont présentés sous un jour tout sauf glamour. On a de tout, du dépressif, de la femme au bord de la crise de nerfs, de la jeune femme encore pleine d’illusions et politiquement correcte (Christina Hendricks, méconnaissable dans un rôle qui ne met pas en avant son physique), de la prof en fin de carrière qui lutte pour exercer son métier, etc.
Côté élèves, il n’y a pas de quoi se réjouir non plus, et ce qui ressort dans les scènes avec les élèves, c’est qu’il est aujourd’hui compliqué d’avoir une relation sincère entre profs et élèves. Il est difficile d’avoir une quelconque emprise sur les « éléments difficiles » qui sont devenus de véritables monstres d’égocentrisme et de cruauté (ce sont des ados me direz-vous, mais quand même…), complètement déconnectés de la réalité.
Ce genre de profil a toujours existé, sous une forme ou une autre.
Sauf que.

Le réalisateur met ici en évidence la grande différence entre hier et aujourd’hui : “l’absentéisme” des parents.

Dans une des scènes « chez le psy », le personnage principal tient un discours sur les parents qui résume bien cette théorie du réalisateur, selon laquelle l’essentiel du problème de l’éducation des jeunes aujourd’hui réside dans cette absence. En substance : on fait bien passer toute une batterie de tests aux personnes désireuses d’adopter pour déterminer s’ils seront de bons parents, il devrait en être de même avec les personnes désireuses de procréer.
L’idée est poussée à l’extrême, bien entendu, mais on est à même de se poser la question. Qui n’a pas assisté à des scènes entre un enfant et ses parents qui font franchement désespérer (dites, y a pas que moi, hein ?).

Cette question que soulève le réalisateur interpelle et il l’explore au travers de ce personnage solitaire qui a souffert de l’absence de sa mère et de toute forme de famille.
Il va faire la rencontre d’une petite de 14 ans, livrée à elle-même et qui fait le trottoir ; il la prendra sous son aile pour tenter de lui donner un équilibre quelconque et bien sûr elle va lui apporter tout autant qu’il lui apportera.
Il tentera d’aider une élève mal dans peau et marginalisée car créative, mais n’y parviendra pas en raison de cette paranoïa ambiante autour de la pédophilie. (Cette scène où elle est en larmes et crève de ne recevoir de tendresse de personne mais qu’il se refuse à la prendre dans ses bras par peur de quelque accusation est très criante de vérité).
Ce lycée déserté lors d’une réunion parents-profs.
Cette mère qui défend sa fille renvoyée pour avoir menacé une prof de la faire tabasser.
Ce prof qui hurle, tous les jours, en pleine cour du lycée et dans l’indifférence générale, et qui rentre le soir chez lui, toujours dans l’indifférence même de sa famille.
Tout ce contexte mène le spectateur à ressentir une sensation d’impuissance totale. En résumé : bonjour la déprime.

Un bémol cependant à ce film très intelligent : la réalisation extrêmement maniérée, façon « reportage », incapable de produire un plan fixe, qui filme toujours ses personnages en gros plan, sans parler de ces fameuses scènes sépia qui sautent sans cesse sur la pellicule et agressent le spectateur. Tout cela donne plus mal à la tête qu’autre chose.

Et le plus dommage dans tout cela, c’est que ces scènes de flashbacks fournissent, au final, une clé sur le personnage du remplaçant. Au lieu de laisser place à la subtilité, on a le droit à une scène « révélation » où le personnage explicite tout. Donc au final, le réalisateur nous fait subir ces images de flashback sans raison aucune.

Au-delà de ça, les acteurs sont très bien dirigés, Adrien Brody est excellent avec ses sourcils en circonflexe.

De plus, cette réalisation migraineuse a tout de même eu le mérite de tout de suite me happer dans le film (alors qu’à peine assise dans la salle, mon ventre s’est mis à gargouiller) (détail qui a son importance quand on connaît mon incapacité à me concentrer quand mon estomac crie famine).

Au final, une réflexion sur la transmission et l’importance d’être entouré en grandissant et, quoique parfois désespérante, porteuse d’un message d’espoir. Pas forcément ce qui est le plus marquant dans le film, mais au moins le réalisateur a-t-il essayé de ne pas simplement abattre le spectateur, surtout de le faire réfléchir.

Un film de : Tony Kaye
Pays d’origine : États-Unis
Avec : Adrien Brody, Marcia Gay Harden, James Caan, Christina Hendricks, Lucy Liu, Bythe Danner
Durée :  1h37
Date de sortie France : 1^er février 2012
Vu en : VOST.
Visionner la bande-annonce 

Tatoe

Tatoe est une rousse cinéphile, collègue et consœur de Diraen et qui publiera essentiellement des critiques ciné - même si elle essaie secrètement de convaincre Diraen de la laisser faire des critiques musique sur ce blog (tout en pensant qu'en vrai elle serait infoutue de mettre des mots sur ce que la musique peut lui faire ressentir).

Pendragon, la série raconte, comme son nom l’indique, ce qui s’est passé avant Kaamelott. Et forcément, on se doute bien qu’Arthur n’a pas hérité soudain d’une bande de débiles sortie de nulle part. Son père, en plus d’être lui aussi cerné d’une bonne bande de branque, était en plus un sacré con.
Y a qu’à voir, c’est lui qui a trouvé Merlin. Alors que bon, de toute évidence, il était déjà nul dès le début.

Alors soit, tout n’est pas parfait dans cette production maison : le jeu des acteurs n’est pas forcément terrible, même si ça s’améliore au fil des épisodes, mais je trouve que les mecs ont bien saisi l’esprit de Kaalemott.
Même si ça tourne parfois à la caricature, car n’est pas Alexandre Astier qui veut, certaines répliques sont pendables et franchement, à défaut d’avoir des nouvelles du chapitre VI, ça permet de patienter d’une façon assez agréable !

Les épisodes sont visionnables par ici et si vous voulez une vrai analyse un peu plus poussé de la chose, je vous conseille d’aller jeter un coup d’œil sur la critique des mecs de On en a gros.

Diraen

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J’avais été moyennement emballée par Shallow Life, sorti en 2009 : ce virage clairement américain avec des chansons calibrées pour la radio US m’avait un peu déçue.
Là, Dark Adrenaline se veut un retour aux sources du groupe, avec des chansons aux rifs plus lourds.
Dans les différents articles que j’ai pu lire, le groupe insiste beaucoup sur l’aspect plus « personnel » de cet album. Inutile donc de dire à quel point je suis impatiente de me procurer ce nouvel album tant attendu…

Comme je suis un fan girl totale, j’ai décidé de m’offrir le coffret Delux Edition, avec sa boite, son calendrier, dont je me fous, et ses trois badges, totalement inutiles, donc indispensables.
En vrai, c’est surtout l’idée d’avoir une box pour cet album qui m’a fait craquer, vu que j’avais vraiment aimé celle de Comalies (l’album de 2002).

Le souci c’est que l’album de cette box contient la jaquette « classique » alors que j’ai totalement fondu pour la jaquette « édition limitée » que je trouve super mignonne ; sans doute parce que cette couverture, dessinée de la main même du bassiste Marco Coti-Zelatime, me rappelle à la fois le comics Lenore the Cute Little Dead Girl et Le Cri d’Edvard Munch.

Du coup, comme je n’ai pas pu choisir, j’ai commandé les deux… Je suis faible. Je trépigne donc d’impatience devant ma boite aux lettres depuis bientôt 10 jours.
Et comme le groupe ne boude jamais son plaisir, la version Delux comprend un DVD, nommé Dark Passengers, regroupant 6 mini-vidéos, où les membres du groupe se mettent en scène dans des rôles et des ambiances qui les inspirent.

A noter également que Lacuna Coil a eu une très sympathique attention pour les amateurs non convaincus de se procurer ce nouvel album : mettre en ligne l’intégralité des titres, 5 jours avant la sortie officielle, en écoute en streaming depuis le site Spin

Je peux d’ores et déjà assurer que j’aime vraiment beaucoup la façon dont le groupe à revisiter « Losing my religion » de R.E.M. On est plus proche de l’hommage que de la reprise, c’est assez déstabilisant au début mais finalement très plaisant !
Maintenant, je n’attends plus qu’une seule chose, le retour du groupe en Europe, pour voir Lacuna Coil défendre cette nouvelle production sur une scène Parisienne !

Diraen

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Si comme moi vous croyiez aller voir un film d’époque sur une histoire romanesque se déroulant dans le célèbre café parisien qui s’est vu squatté par bon nombre de nos écrivains nationaux, détrompez-vous, détrompez-vous grandement. Vous passerez certainement comme moi la première bonne demi-heure du film à vous demander pourquoi diable ce film est intitulé pareillement. Seuls les afficionados de musique pourront se douter dès les premières minutes de la réponse à cette intrigante question puisque le héros n’est autre qu’un DJ… et Café de Flore le titre d’un morceau de Doctor Rockit que les amateurs connaîtront peut-être sous le nom de Matthew Herbert (son vrai nom), Herbert, Radio Boy, Mr. Vertigo, Transformer, ou Wishmountain. Le film fait d’ailleurs la part belle à la musique avec une bande son hors pair où certaines tounes font presque office de personnages.

C’est donc l’histoire d’un mec de Montréal qui a une vie parfaite, deux jolies petites filles et une bombe en lieu et place de femme. Il a une super maison, une super famille, va mixer à Londres ou à Paris, la belle vie quoi. Sauf que dès le début, on nous laisse entendre que tout n’est pas si rose pour ce beau gosse (il faut avouer que Kevin Parent n’est pas mal en quadra sexyboy) de la Belle Province. On apprend très vite qu’en fait il s’est séparé de la mère de ses enfants, qui est aussi son amour d’enfance, il y a à peine deux ans et qu’il pourrait bien retomber dans ses bras au premier tournant de script.

Pis là bim, on passe à Paris, 1969, dans un décor plutôt sordide, qui tranche pas mal avec l’ambiance branchée de cette famille modèle et moderne, pour s’embarquer avec Vanessa Paradis qui accouche d’un petit garçon trisomique, se fait larguer par le père du gosse et décide d’engager un combat héroïque, mais néanmoins attachant, contre l’opinion publique et l’exclusion sociale à laquelle son fils semble voué.

Les séquences s’enchaînent entre Paris et Montréal avec des flash backs un peu anarchiques et une photo très arty côté Montréal tandis que Paris garde son côté très rétro-poussiéreux. D’une part on nous retrace l’histoire de la rencontre entre le héros et sa nouvelle femme, tandis que de l’autre on assiste à la rencontre du petit garçon avec une autre petite fille trisomique qui arrive à l’école. Et là on commence à faire le lien mais le doute est encore là… On « découvre » alors le vrai sujet du film : l’amour, avec un grand A, ou est-ce que les flammes jumelles ça existe-tu donc ?

Bon d’accord je me moque un peu parce que c’est quand même marrant comment ils parlent là-bas même si dans le film ça n’a rien de risible, ça apporte même plutôt une vraie fraîcheur aux personnages que les acteurs interprètent avec un réel brio. On ressent des choses que quiconque a déjà été fou amoureux et/ou fou de chagrin de se faire plaquer retrouvera forcément et j’ai trouvé que c’était vraiment la plus grande force du film (avec la bande-son, mais ça va de pair je dirais).

Alors après ça le film est loin d’être parfait pour autant. Passe encore le détail de la voix off ambiance Amélie Poulain censée poser un pitch angoissant dès le départ – ce qui aurait pu très bien être fait avec les images seulement – la montée en tension clairement recherchée est transcrite de façon maladroite, déstructurée (pas dans le bon sens du terme) : quand on me sert des flashs sur les persos qui pètent les plombs accompagnés de sons stridents, je trouve que ça colle pas vraiment avec l’ambiance de départ.

Pour résumer, il s’agit là d’un film plein de belles images et reposant sur une chouette idée originale mais truffé de grosses longueurs et dont la fin aurait pu être mieux gérée selon moi. A voir, mais avec une carte de cinéma illimitée de préférence.

Un film de : Jean-Marc Vallée
Pays d’origine: France, Canada
Avec : Vanessa Paradis, Kevin Parent, Hélène Florent, Evelyne Brochu
Durée : 111 minutes (exactement comme le premier)
Date de sortie France : 25 janvier 2012
Vu en :VF (VO)

Fuu

Après un passage éclair sur le blog des 9irl5, Fuu s’incruste sans vergogne (et heureusement) sur Plopisation pour continuer de causer BD, jeux vidéo, science-fiction et girl power.

J’ai découvert grâce à Tatoe une jeune américaine de 17, Heather Traska, encore plus mordue de Disney que moi.
Elle a réalisé un medley a capella de plus de chansons de Disney : 13 chansons principales et 11 autres références à d’autres chansons, glissées en clin d’oeil.
Et quand je dis a capella, elle ne se contente pas de chanter, sa voix lui sert aussi à faire les arrangements.

Et comme la demoiselle ne fait rien à moitié, dans les 86 jours de travail que lui a demander la réalisation de cette vidéo, elle a réussi à caser la création de 30 costumes (maquillage + vêtements) pour illustrer le tout.

Je suis assez fan de ses maquillages et j’ai gardé bien précieusement les vidéo de tuto pour la réalisation de ces petits chefs-d’œuvre pour la prochaine soirée déguisée qu’on voudra bien me proposer !

Inutile de préciser que la jeune fille a du talent !
Voyez-vous-même :

Est-ce que vous avez réussi à retrouver tous les titres ?
Pour ma part, j’ai listé ça (même si j’en ai trouvé 2 de plus que les 24 annoncées) :

1. Chanson d’ouverture de Disney
2. Can’t Wait to be King (Le Roi Lion)
3. You’ve Got A Friend in Me (Toy Story)
4. Now I see the Light (Raiponce)
5. Just Around the River Bend (Pocahontas)
6. Reflection (Mulan)
7. Circle of Life (Le Roi Lion)
8. So This is Love (Cendrillon)
9. Part of Your World – Reprise (La Petite Sirène)
10. A Whole New World (Aladdin)
11. Go the Distance (Hercule)
12. Be A Man (Mulan)
13. One Jump A Head / Riff Raff (Aladdin)
14. Someday My Prince will Come (Blanche-Neige)
15. Once Upon A Dream (La Belle Au Bois Dormant)
16. Tale as Old as Time (La Belle Et La Bête)
17. I won’t say I’m in Love (Hercule)
18. Kiss the Girl (La Petite Sirène)
19. You’ll be in my Heart (Tarzan)
20. Under the Sea (La Petite Sirène)
21. Second Star To the Right (Peter Pan)
22. Bonjour (La Belle Et La Bête)
23. Colours of the Wind (Pocahontas)
24. Can You Feel the Love Tonight (Le Roi Lion)
25. Zero to Hero (Hercule)
26. A Dream is a Wish Your Heart Makes (Cendrillon)

Pour découvrir les autres productions de la demoiselle, vous n’avez que l’embarras du choix :

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