Selon cette définition tout à fait personnelle, ce dernier film d’Audiard est bon. J’en sors à peine et j’ai l’impression d’être passée sous un rouleau compresseur.

Ali traverse la France avec son fils de 5 ans, mais sans argent, pour rejoindre sa soeur dans le sud. Il tente alors de reconstruire sa vie tant bien que mal en vivant de boulots de vigile (c’est un ancien boxeur) et avec ce fils dans les pattes. Il rencontre Stéphanie à la sortie d’une boîte de nuit, à la suite d’une bagarre, et lui laisse son numéro de téléphone “au cas où”.
Elle le rappellera après avoir perdu ses deux jambes dans un accident de travail ; elle était dresseuse d’orques au Marineland.

A ceux qui avaient peur qu’Audiard se soit tourné vers Marion Cotillard pour faire du glamour se détrompent : ici rien n’est glamour et surtout pas Cotillard. On découvre une actrice sans artifice, qu’on ne connaissait pas. Elle EST véritablement ce personnage écorché et qui semble sonnée, presque abrutie, tout le long du film, par cet accident.
Quant à Matthias Schoenaerts, c’est une vraie découverte. Il est tout en puissance, une puissance sourde et d’autant plus impressionnante.

Curieusement, la scène la plus difficile à supporter n’est pas celle de son accident (oui, j’avais peur de cette scène). Le spectateur ne voit rien – et n’a pas besoin de voir d’ailleurs – : la scène se passe très vite, Audiard n’insiste pas lourdement dessus. D’ailleurs, on ne connaît pas les détails des circonstances de l’accident. Première violence du film après son accident : la lumière, toujours filmée de face et qui ne cesse de nous éblouir, nous spectateurs, et le personnage de Stéphanie. Comme si le dehors était une agression en soi qu’elle se prenait en pleine face.

Puis, paraît Ali (un boxeur qui s’appelle Ali, tiens, tiens). Et la suite, vous la connaissez, vous êtes tous déjà allés au cinéma.

Cet Ali, il en a, lui, de la violence à revendre. Et ce n’est que lorsqu’on le voit se battre que l’on voit à quel point sa bestialité est là, à la surface et ne demande qu’à s’échapper à la moindre occasion. Ce père très maladroit et qui ne semble ressentir aucune tendresse pour son fils, devient alors effrayant. Même sa façon de baiser (il n’y a pas d’autre mot) est animale et emplie de cette même violence. Alors qu’on le connaît si délicat avec cette jeune femme qu’il ne connaît pas. C’est précisément cette violence extrême qui le sauvera, au final. A la force de ses mains il sauvera ce qu’il a de plus cher, au point de se les briser.
Et l’agression constante ressentie par les deux personnages disparaît lorsqu’ils sont ensemble. La douceur s’installe alors, tranquillement et naturellement.  Sans chichis, sans manière, sans gêne. Et Audiard filme cela dans des plans de grande respiration, qui permettent au spectateur de souffler (on rit !), parce que oui, le spectateur se prend pas mal de de claques.

Autre chose frappante : l’une, après son accident, cherche à revivre, à protéger son corps et à s’épargner ; l’autre passe son temps à se le flinguer et à se faire défoncer la gueule. Cela donne une impression assez particulière au spectateur. Les scènes de combat sont davantage sources de malaise et difficile à regarder de par ce contraste de rapport au corps. D’autant plus que Stéphanie assiste à ces combats, de l’autre côté de la vitre d’un van, impuissante et, au début, effrayée.

Mes formules sont peut-être un peu niaises mais je peux vous assurer que le film n’a rien de niais et ce n’est pas faute d’avoir choisi un thème où l’on pouvait facilement verser dans le pathos ou le glauque inutile.

Difficile de pas trop en dévoiler, je vais donc m’arrêter là même si j’aurais d’autres choses à dire.

Oui, encore une fois selon ma définition, ce film est bon. On oublie totalement que l’on est face à des acteurs, ils sont impeccables de sobriété et de justesse, seconds rôles inclus ; la BO s’intègre parfaitement aux images sans prendre trop de place (Bon Iver, Django Django, etc.) ; la caméra n’est jamais intrusive ni maniérée ; la lumière délicate ; les effets spéciaux invisibles…Le résultat est un film qui happe totalement le spectateur, qui n’a pas vraiment le temps d’opposer quelque résistance que ce soit.

Et je clôturerai mon article par ceci : dans tous les cas, on ne pourra pas taxer Audiard d’être snob. Un cinéaste français qui utilise du Katy Perry ne peut pas être snob et n’a peur de rien.

Un film de : Jacques Audiard
Pays d’origine : France, Belgique
Avec : Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Corinne Masiero, Bouli Lanners, Armand Verdure, Céline Sallette
Durée : 1h55
Date de sortie en France : 17 mai 2012
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Tatoe

Tatoe est une rousse cinéphile, collègue et consœur de Diraen et qui publiera essentiellement des critiques ciné - même si elle essaie secrètement de convaincre Diraen de la laisser faire des critiques musique sur ce blog (tout en pensant qu'en vrai elle serait infoutue de mettre des mots sur ce que la musique peut lui faire ressentir).

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Mai 2011 : Ubisoft annonce la création d’une nouvelle structure dédiée au cinéma en France. Ubisoft Motion Pictures aura pour but de donner vie à des films ou séries issus de ses franchises jeu vidéo. Des adaptations de grosses franchises au cinéma deviennent envisageables pour l’éditeur, comme l’avait annoncé la série de courts-métrages Assassin’s Creed : Lineage.

Avance rapide.

Mai 2012 : Ubisoft continue à déployer sa franchise “Tom Clancy’s Ghost Recon” : Après la bêta ouverte de Ghost Recon Online et la sortie de Ghost Recon Future Soldier prévue pour le 24 mai, on découvre l’existence de Ghost Recon Alpha, court-métrage servant de préquelle au jeu console.

Ce court-métrage sera diffusé ce soir et nous permettra de suivre une équipe de Ghosts en mission.
Assez rythmé, bénéficiant d’effets spéciaux suffisamment peaufinés pour ne pas être risibles, Ghost Recon Alpha s’en sort bien et à mon avis, mieux que le Assassin’s Creed : Lineage pour ce qui est de l’immersion du spectateur. Peut-être grâce à une moindre utilisation du fond vert ?

En même temps, vu la liste de noms assez prestigieux affichés au générique, on n’en attendait pas moins :

• A la réalisation, on retrouve François Alaux et Hervé de Crécy qui ont légèrement marqué les esprit avec Logorama, Oscar du meilleur court métrage d’animation en 2011, avec ses 3 000 logo. (si vous ne l’avez pas vu, vous avez le choix entre la V.O. ou la V.F. avec des morceaux d’Omar et Fred dedans),
• Les effets spéciaux sont assurés par Asylum, le studio en charge de Terminator : Renaissance,
• Tony et Ridley Scott se sont quant à eux chargés de la production,
• On notera la présence d’une guest star surprise et bien de chez nous à la fin du film,

Le film ne durant que 20 minutes, laissez-vous tenter et donc rendez-vous ce soir, à 22h30 sur W9, pour découvrir Ghost Recon Alpha !

Un film de : François Alaux et Hervé de Crécy
Pays d’origine : États-Unis
Avec : Mark Ivanir
Durée : 20 minutes
Date de sortie en France : 03 mai 2012 sur W9
Vu en : VOST

La bande-annonce :

Diraen

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L’histoire, vous la connaissez déjà par coeur : un grand méchant menace d’envahir le monde et pour l’en empêcher on va appeler les “meilleurs” super-héros (comprendre : ceux de Marvel Comics) pour sauver le monde. Classique, ai-je envie de dire. Mais néanmoins savoureux.

Le film débute sur la déclaration de guerre de Loki (le grand méchant en question, pour ceux qui ne suivent pas) qui donne lieu au rassemblement progressif des troupes,pour enfin terminer sur la grande bataille finale.
Rien à redire sur le rythme, M. Whedon nous offre du pur divertissement et dépeint de façon accessible, même pour une noobie comme quoi, les différentes personnalités des héros ainsi que les clashes d’égo qu’engendre la réunion de tout ce petit monde.
Nous avons tout d’abord Mademoiselle Scarlett-Veuve Noire, excellente en garce espionne qui ne recule devant rien pour extorquer des informations et prend un malin plaisir à “jouer la fille” pour mieux duper ses adversaires qui la sous-estiment. Au nom du girl power : mouahahaha.
Vient ensuite Bruce Banner, alias Hulk : le calme du groupe (forcément) qui demande juste qu’on le laisse tranquille sous peine de faire ressortir sa personnalité moins calme…
Puis, le propret Captain America, de formation militaire, concentré sur la planification de stratégie, les règles à suivre et fervent défenseur de l’esprit d’équipe.
Ce cher Iron Man, à l’égo toujours aussi surdimensionné et qui ne manque pas une occasion de faire de l’esprit, si possible au dépend des autres.
Hawkeye, alias Legolas, aperçu dans Thor, qui passera la majorité du film sous le joug de Loki.
Et enfin notre blond au marteau préféré, Thor, qui n’est pas super content que son frère continue ses caprices de jaloux rancunier et qui met un point d’honneur à parler d’une voix grave et profonde. Pour le staïle.

Le tout est réuni par ce cher Nick Fury (Samuel L. Jackson qui déchire sa race tellement il a la classe) et son bras droit, l’agent Coulson, qui passe la première partie du film a essayé d’obtenir un autographe de Captain America. Et quel plaisir de retrouver Cobie Smulders (Robyn dans How I Met Your Mother) en agent spécial !

C’est donc un sans faute niveau casting, les doutes que l’on auraient pu avoir sont bien vite effacés : Mark Ruffalo reprend très bien le rôle délaissé par Edward Norton , il a cette espèce d’indolence presque molle parfaite pour le personnage; et Scarlett Johansson, qui laissait un peu à désirer dans Iron Man 2, a repris du poil de la bête, s’est coupé les cheveux et a pris en épaisseur (non, pas de cheveux !).

Une petite question cependant : que s’est-il passé au moment de l’adaptation en français du film ? Ca commence par le titre : The Avengers devient Avengers…bel effort. Surtout que je sais de source sûre (merci Diraen d’avoir comblé mes lacunes sur le sujet) que dans les comics, cela avait été traduit par “Les Vengeurs“. Mais j’imagine que pour le film, ils se sont dit que ça claquait beaucoup moins que d’enlever un article à son titre anglais.
Quant aux sous-titres, je ne sais pas si les délais étaient trop courts ou si le poisson rouge du traducteur était malade mais les blagues tombent complètement à plat – quand elles sont même adaptées – il y a des contre-sens, Hawkeye s’appelle d’abord Le Faucon (son nom français) puis Hawkeye…Bref, ça va pas du tout !!
Et je ne dis pas seulement ça parce que c’est mon métier ; d’un point de vue de spectateur, c’est frustrant de se dire que si l’on ne parle pas bien anglais, on passera à côté de plusieurs blagues. Blagues qui pour moi sont indispensables dans ce genre de films. Faire un film de super-héros sans auto-dérision, c’est juste une bande de mecs en collants qui se prennent au sérieux.
Je n’ose même pas imaginer ce que donnait la V.F. …

En conclusion, si vous aimez les films d’action de qualité qui ne se prennent pas au sérieux et que vous n’êtes pas allergiques aux super-héros, il faut y aller. Rien que pour voir Hulk interrompre Loki en plein speech grandiloquent. Et vive Joss Whedon !
Ah et évidemment, restez bien jusqu’à la fin du générique !

Bon et maintenant, on attend Prometheus et The Dark Knight Rises de pied ferme…

Un film de : Joss Whedon
Pays d’origine : États-Unis
Avec : Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo ,Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Tom Hiddleston, Clark Gregg, Cobie Smulders et Stan Lee
Durée : 2h22
Date de sortie en France : 25 avril 2012
Vu en : VOST numérique
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Tatoe

Tatoe est une rousse cinéphile, collègue et consœur de Diraen et qui publiera essentiellement des critiques ciné - même si elle essaie secrètement de convaincre Diraen de la laisser faire des critiques musique sur ce blog (tout en pensant qu'en vrai elle serait infoutue de mettre des mots sur ce que la musique peut lui faire ressentir).

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Souvenez-vous, il y a quelques mois, je vous parlais de la soirée “Rencontre du 3e type” organisée au Max Linder. Depuis, ce rendez-vous est devenu récurrent, s’est trouvé un petit nom (Nuits au Max), s’est affublé d’un site officiel et a déjà proposé pas moins de 3 autres séances dantesque :

- Trilogie Retour vers le futur (avec DeLorean)
- Trilogie Evil Dead
- Nuit Miazaky

Une nouvelle nuit de projection est prévue samedi (oui, à la fin de la semaine…) sur le thème du Retro Gaming. Ces films des années 80 qui faisaient la part belle aux jeux vidéo :

Si vous avez la nostalgie des jeux vidéo des années 80, alors vous allez adorer la Nuit Retro Gaming : Trois films cultes dont le jeux vidéo est le moteur de l’histoire. Tron, incontournable et visionnaire, avec des costumes signés Mœbius et les premières images de synthèse pour un long métrage. WarGames, premier film à aborder le monde d’un hacker et les conséquences terribles dans le monde réel de ses agissements. Avec The Last Starfighter, vous aurez ici l’occasion de voir sur l’écran panoramique du Max, pour la 1ère (et certainement la dernière fois) ce film étonnant aux tonalités typiquement 80’S, qui raconte l’histoire d’un champion de jeu d’arcade et son destin au sein d’une guerre intergalactique !

Les Nuits au Max sont toujours organisées par le collectif de podcast Freepod et la soirée sera ponctué d’animation autour du jeu vidéo.
Si ça vous tente, n’hésitez pas, et réservez votre place pour 16 € la nuit sur le site de la FNAC

Pour ma part, j’y serai.
Tout comme je serais probablement le 22 juin en salle pour voir Brave dont le trailer me botte vraiment beaucoup.
Comme d’hab avec Pixar, on aura surement droit à une bonne dose d’humour et pour une fois que c’est une jeune fille l’héroïne, je ne vais pas bouder mon plaisir.
Petite cerise sur le gâteau : je craque complètement pour ces magnifiques accents gaéliques qui manqueront surement à la version française…

Diraen

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Au final le film en question n’est pas un film hollywoodien au sens spectaculaire du sens. Ce n’est pas un grand biopic clinquant et à grosse artillerie, mais plutôt un film intimiste accompagné d’une musique aérienne au piano, composée par monsieur Desplat, et à l’ambiance “flottante” où les gros plans et les instants champêtres sont au rendez-vous.

My Week with Marilyn n’est pas sur la vie de Marilyn mais est tiré d’un livre autobiographique écrit par Colin Clark, troisième assistant réalisateur sur le tournage du film Le Prince et la danseuse de Sir Laurence Olivier, avec dans le rôle principal, Marilyn Monroe. Cette dernière vient d’épouser Arthur Miller et celui-ci l’accompagne en Angleterre pour le tournage mais il quitte abruptement le pays en laissant Marilyn seule. Le livre – et le film – relate cette fameuse semaine lors de laquelle Colin Clark a eu l’occasion de cotoyer (et plus) l’actrice.

Nous assistons donc aux conséquences et aux réactions des uns et des autres face aux simagrées de l’actrice pendant le tournage. Elle ne doit être contrariée sous aucun prétexte, sous peine de ne plus réussir à jouer pendant une durée indéterminée. Marilyn pleurniche, souffre, flirte, se shoote aux médicaments, sait détendre (et tendre) l’ambiance sur le plateau comme personne, n’a aucune confiance en elle, ne supporte pas d’être seule, a besoin de la présence constante de sa “coach” (personnage plus qu’ambiguë, que recherchait-elle exactement à accomplir avec Marilyn ?), etc. Au final, c’est un personnage plutôt insupportable qui est décrit. Insupportable mais fascinant.

Michelle Williams livre ici une belle performance. C’est indéniable. Mais elle n’est pas Marilyn…Les fausses fesses, la perruque, les lunettes noires n’y font rien. Michelle Williams ne peut incarner tous les aspects de la personnalité de Marilyn. Mais qui le pourrait ? Michelle Williams est plutôt menue alors que Marilyn était toute en rondeur. Et que ce soit physiquement, ou même dans sa façon de bouger,dans ce qu’elle dégage à l’écran : non, on ne croit pas voir Marilyn.

C’est d’autant plus frappant lorsque dans certaines scènes, le réalisateur essaie de nous montrer à quel point elle pouvait être fascinante : tous les membres de l’équipe du film la regardent jouer, béas, complètement envoûtés. Alors que nous, les spectateurs de l’autre côté de l’écran ne ressentent rien de particulier en assistant à la même scène jouée par Michelle Williams.

Il y a cependant quelques moments de grâce où l’on croit voir et entendre Marilyn, pendant quelques secondes, notamment lorsque l’actrice est filmée de près.

Pour ce qui est du reste du casting, on a de tout.

Kenneth Branagh en Sir Laurence Olivier…ben voyons…deux sosies, c’est frappant ! Et puis Kenneth Branagh n’a jamais été un acteur merveilleux. Un bon réalisateur certes, (surtout pour les adaptations de Shakespeare ou les thèmes Shakespeariens…n’oublions pas que c’est lui qui a réalisé Thor) mais en tant qu’acteur, franchement… le seul rôle dans lequel je l’ai réellement aimé c’est dans Beaucoup de bruit pour rien, mais sûrement parce que l’électricité entre lui et sa femme de l’époque, Emma Thompson, était palpable. En tout cas, lui proposer l’Oscar (et Golden Globes) du meilleur second rôle pour ça ? Non, franchement, je proteste. D’ailleurs il ne l’a pas eu !

Le jeune premier, Eddie Redmayne, qui interprète Colin Clark, n’est pas si mal. Il a une innocence plutôt fraîche qui sied bien au personnage. De là à dire que le personnage a été le seul a comprendre réellement Marilyn…faut pas pousser non plus. Il est surtout présenté comme très naïf et oui, il a réussi à entrevoir  la “vraie” Marilyn mais parce qu’elle a été touchée par sa candeur et qu’elle a bien voulu se dévoiler à lui. S’est-elle tant dévoilée que ça, d’ailleurs ? De plus Marilyn est présentée comme une personne certes fragile et en manque d’affection, mais également comme une mangeuse d’hommes, pour combler ce besoin d’amour, justement. Ce petit jeune est bien persuadé d’être une meilleure alternative à son mari et se présente comme le seul capable de la comprendre et de l’apaiser. Mais on se rend bien compte dans le film qu’il n’est là que pour pallier à l’abandon qu’elle a ressenti lorsque son mari est retourné aux États-Unis.

Quand aux rôles de seconds plans, ce sont de vrais petits bijoux. Notamment Julia Ormond, qui se fait décidément trop rare, en Viven Leigh (peu crédible également, je vous l’accorde mais le réalisateur n’a pas eu l’air de vouloir jouer la carte de la ressemblance), femme de Sir Laurence Olivier de l’époque. Femme bien consciente que son mari est fasciné par Marilyn et a bien d’autres intentions que de la diriger comme actrice. Elle se montre cependant bienveillante envers toute l’équipe du film, Marilyn y compris. Et ça fait tellement bien de voir une actrice qui accepte de son montrer telle qu’elle est : avec ses rides. Elle n’en est que plus magnifique.

Quand à Judi Dench, elle est toujours aussi délicieuse et ce malgré un rôle assez réduit. Elle interprète parfaitement Dame Sybil Thorndike que je ne connaissais pas mais qui – d’après ce que j’ai vu dans cette vidéo- aimait beaucoup Marilyn. On retrouve cette tendresse dans le film et on décèle même un instinct protecteur envers les deux “petits jeunes” de l’équipe : Marilyn et Colin Clark.

En bref, que dire de ce film ? Malheureusement, il est assez décevant, pour ne pas dire ennuyeux…Le rythme est très lent, très contemplatif – et j’aime le contemplatif habituellement, mais encore faut-il qu’il y ait quelque chose à contempler ! Non, disons-le franchement, on s’ennuie !
Au bout du compte, Michelle Williams ne fait pas l’affaire malgré son talent. Comme l’a dit ma colocataire en sortant du film, peut-être qu’une inconnue aurait mieux fait l’affaire. On connait trop Michelle Williams, on ne voit qu’elle. Avec une inconnue, la magie aurait peut-être mieux opéré.

Un film de : Simon Curtis
Pays d’origine : USA, GB
Avec : Michelle Williams, Eddie Redmayne, Julia Ormond, Kenneth Branagh, Judi Dench, Emma Watson, Dominic Cooper
Durée : 1h42
Date de sortie en France : 4 avril 2012
Vu en : VOST

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Tatoe

Tatoe est une rousse cinéphile, collègue et consœur de Diraen et qui publiera essentiellement des critiques ciné - même si elle essaie secrètement de convaincre Diraen de la laisser faire des critiques musique sur ce blog (tout en pensant qu'en vrai elle serait infoutue de mettre des mots sur ce que la musique peut lui faire ressentir).

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On y découvre l’histoire de Katniss Everdeen, une jeune adolescente de 16 ans, qui vit dans une Amérique post-apocalyptique. Un puissant gouvernement répressif, le Capitole, contrôle les treize districts qui forment le Panem. Après la rébellion du treizième district qui a depuis été rasé, le Capitole crée un jeu télévisé appelé “Hunger Games” : deux enfants entre 12 et 18 ans dans chacun des douze districts sont tirés au sort comme “tribut” et doivent ensuite se battre à mort dans une arène façon Battle Royale (environnement hostile et tout le toutim), le gagnant étant le dernier survivant. Notre histoire commence lorsque la jeune sœur de l’héroïne est choisie pour participer aux Hunger Games. Katniss se porte alors volontaire à sa place.

Quelque chose d’assez étonnant, et qui doit sûrement être plus clair dans le livre, c’est la différence d’esthétique entre les deux “mondes” : celui des districts et celui du Capitole. Les premières minutes du film se déroulent dans le District 12 et on a l’impression d’être à la fin du 19è siècle, on se croirait presque dans la Petite Maison dans la prairie…mais en moins joyeux et sautillant. Certes, la pauvreté est omniprésente mais cela n’explique pas selon moi les choix de costumes, habitations, etc.

En revanche, de l’autre côté du miroir, lorsque l’on se retrouve au Capitole, tout est ultra moderne, l’esthétique est clinquante, les costumes, maquillages et coiffures ultra exubérants. J’ai d’ailleurs eu beaucoup de mal à apprécier toute cette partie se déroulant au Capitole. Bien entendu, c’est fait exprès. Comment expliquer autrement qu’ils puissent apprécier un spectacle de personnes démunies qui s’entretuent pour les divertir et ce, comme punition de rébellion s’étant déroulé 75 ans auparavant ? On pense à la Rome Antique et à ses jeux d’arènes, à la décadence et l’opulence qui les caractérisaient.
Mais sincèrement, pourquoi ce parti-pris de costumes à la Burton poussés à l’extrême ? Elizabeth Banks, qui joue le rôle de Effie, une représentante du Capitole, est constamment ornée d’une magnifique choucroute frisée, de couleur toujours accordée au reste de sa tenue ainsi que tout le reste des accessoires et de son maquillage (on passe du rose fushia au vert fluo en passant par le jaune canari). Un vrai délice pour les yeux. Les miens en tout cas, entre ces couleurs criardes et les mouvements incessants de caméra (décidément, le plan fixe est vraiment passé de mode, ” je suis un réalisateur et je veux que l’on voie que je suis derrière la caméra !”), ont eu beaucoup de mal à ne pas pleurer de douleur.

En revanche, la deuxième partie, lorsque le jeu commence réellement, le film devient très prenant. Le divertissement est selon moi total : le spectateur est complètement pris dans l’action, et l’on a hâte de voir comment Katniss va réussir à s’en sortir, tel Bear Grylls, le fou de Man vs Wild.

Je ne vous en dirai pas plus sur cette partie car cela serait gâcher tout le plaisir du film. Mais croyez-moi, on se prend très vite au jeu !

Sans compter que l’actrice principale, Jennifer Lawrence, véritable bombe de 21 ans, a une présence incroyable. Elle incarne à la perfection cette jeune fille légèrement sauvage, et dont émane quelque chose de sombre et de mystérieux. Elle porte véritablement le film et on a hâte de voir ce que sa palette de jeu a encore à nous offrir.

Au bout du compte, j’ai vraiment hâte de voir la suite et cela m’a donné envie de lire les livres pour mieux comprendre toutes les subtilités de l’univers. Et cela prendra moins de temps que les 7 volumes de 1000 pages de Game of Thrones…

Un film de : Gary Ross
Pays d’origine : États-Unis
Avec : Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Lenny Kravitz, Stanley Tucci, Donald Sutherland
Durée : 2h22
Date de sortie en France : 21 mars 2012
Vu en : VOST
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Tatoe

Tatoe est une rousse cinéphile, collègue et consœur de Diraen et qui publiera essentiellement des critiques ciné - même si elle essaie secrètement de convaincre Diraen de la laisser faire des critiques musique sur ce blog (tout en pensant qu'en vrai elle serait infoutue de mettre des mots sur ce que la musique peut lui faire ressentir).

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Finalement, arrivée en salle, je me suis retrouvée plongée dans un univers loin de Science-fiction « à l’américaine » à laquelle on est habitué : ici pas de navettes autoguidées sur coussins antigravitationnels ou de reconnaissance rétinienne tous les 3 mètres.
De toute façon, avec EVA, on est ici assez loin d’Asimov puisque ce n’est pas un film traitant de robot.

Alex, un ingénieur de renom, est rappelé par la Faculté de Robotique, après dix ans d’absence, pour créer le premier robot libre : un enfant androïde.
Il retrouve alors Lana, son amour de jeunesse, et son frère David, qui ont refait leur vie ensemble.

Et il va surtout faire la connaissance d’Eva, sa nièce, une petite fille étonnante et charismatique.

Entre Eva et Alex se crée une relation particulière, et ce dernier décide alors, contre l’avis de sa mère Lana, de prendre Eva pour modèle de son futur androïde…

EVA parle avant tout des être humains et de leur complexité. Cette complexité, explicitement nichée dans tous les non-dits qui hantent la relation entre les trois adultes, Alex, Lana et David, est encore mise en exergue par opposition avec le caractère hyper verbeux et expansif du robot Max (époustouflante prestation de Lluís Homar).

Le parti pris esthétique d’EVA contribue à donner au film sa dimension de conte. Tel un château de belle au bois dormant où le temps se serait arrêté, tout cet univers est sclérosé et froid ; tout dans ce petit village constamment sous la neige semble suspendu dans le temps, prisonnier d’un immobilisme qui s’insinue partout. Bien que nous soyons clairement projetés dans le futur, en 2041 pour être exact, la société d’EVA est très clairement restée coincée dans les années 70, début 80. Tout y est anguleux, fonctionnel et dépourvu de couleur vive.

Pas étonnant que la petite Eva, dans son manteau rouge attire l’œil d’Alex. Elle est la personnalisation parfaite de la fougue, de la vie. Elle est le baiser magique qui pourrait réveille tout le monde, les libérer de ce temps suspendu depuis 10 ans, tel ce prototype abandonné qui attend toujours qu’on lui insuffle la vie.
Et Kike Maíllo réussi le tour de force d’éviter tous les écueils du film lent qui devient trop long et soporifique. Et c’est ce qui surprend le plus dans ce premier film : cette parfaite maitrise de la trame narrative et ce tourbillon de subtilité.

La technologie est invisible mais pourtant hyper présente pour peu qu’on sache où la trouver (tableau de bord de véhicule, tourne-disque, plaques numérique, etc.), ces robots sont si parfaitement intégrés à l’image qu’on a du mal à croire qu’ils ne sont pas réels (si vous ne gémissez pas vous aussi « je veux ce chat » en voyant se mouvoir Gris, vous n’êtes pas normal.) et surtout les acteurs sont si naturels et imprévisibles qu’ils en deviennent incroyablement crédibles.

Et le plus bluffante des performances est celle de la jeune actrice qui incarne le personnage d’Eva. Il n’est rien de plus périlleux que les enfants qui font l’acteur. Et quand le personnage exige en plus malice, irrévérence et débordement de vie, on à 99 % de chance de finir dans le mur avec des envies de meurtres. Et pourtant Claudia Vega arrive à rester sur la corde, à être cette enfant assez surprenante pour qu’on ait envie de la découvrir et tout juste assez supportable pour qu’on n’ait pas envie de la claquer.

A l’image de son générique qui d’un coup donne tout son sens à l’expression « mécanique des fluides », EVA est un film de SF inattendu et original. Petit joyaux de douceur et de fraicheur, ce premier fils revendique lui-même sa parenté avec l’univers des contes et est une des bonnes surprises cinématographique de ce premier trimestre.

Il s’agit maintenant de garder un œil sur Kike Maíllo à qui, après un premier film enthousiasmant à tout point de vue, on souhaite une carrière jalonnée de petits bijoux tous aussi inattendus et exquis qu’EVA.

Un film de : Kike Maíllo
Pays d’origine : Espagne France
Avec : Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann, Claudia Vega, Anne Canovas Et Lluis Homar
Durée : 1h34
Date de sortie : 21 mars 2012
Vu en : VOST
Plutôt que la bande-annonce qui oriente la vision du film, voici un extrait d’EVA : “Ecole”

Diraen

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Un film de : Phyllida Lloyd
Pays d’origine : Grande-Bretagne, France
Avec : Meryl Streep, Jim Broadbent, Susan Brown, Phoebe Waller-Bridge, Alexandra Roach, Harry Lloyd, Iain Glen
Durée : 1h44
Date de sortie : 15 février 2012
Vu en : VOST
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Tatoe

Tatoe est une rousse cinéphile, collègue et consœur de Diraen et qui publiera essentiellement des critiques ciné - même si elle essaie secrètement de convaincre Diraen de la laisser faire des critiques musique sur ce blog (tout en pensant qu'en vrai elle serait infoutue de mettre des mots sur ce que la musique peut lui faire ressentir).

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Il serait temps me direz-vous, puisqu’elle sort demain…

Sauf que…

Sauf que je suis bloquée en mode zombie depuis deux semaines.
Quand je ne travaille pas je dors…
(Bbon, ok, je mens éhontément parce que je ne bosse pas le week-end. Le week-end, je joue sur ma Ps3, à Assassin’s Creed Revelations, du coup je grogne. Beaucoup. Mais ce n’est pas le sujet).

Donc, voila, je suis en mode zombie quoi.
Mais genre Zombie de The Walking Dead.

D’ailleurs, vous avez vu la petite campagne de pub fort originale que la série s’est payée en Afrique du Sud ?

Ca déboite hein !
D’ailleurs ça me fait penser que Fuu m’a offert le quinzième comics de la série. Mais en bon zombie, je suis incapable de le lire…
Au moins, ça m’en fera pour plus tard, pour meubler les 6 mois d’attente qui nous séparent du tome 16…

Tout ça pour dire que je ne vous ai pas parlé de la Vita.
Qui sort demain.
Le 22 février.

De toute façon, mis à part que moi, je suis une Playstation Girl depuis toujours, je suis assez d’accord avec ForceRose, et comme elle dit déjà l’essentiel sur son blog, je ne vois pas quoi vous raconter.

Ah si ! Est-ce que vous avez vu la pub ? Dans l’esprit je la trouve assez proche de “Michael”

C’est possible que ce billet semble une peu décousu…
Je suis navrée.

Mais bon, de la part d’un zombie, fallait pas trop en attendre non plus…

Ah, et les gifs viennent de chez The Walking Dead Gifs

Diraen

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Avant d’entrer dans le vif du sujet, je tiens à préciser que, étant petite, je regardais certes en boucle les films de Disney, mais aussi les films auxquels The Artist rend hommage. Ainsi, forcément, j’avais de très grandes attentes. Et je dois dire qu’elles n’ont pas été satisfaites…

En bref, je vous le conseille pour vous faire votre propre avis et pouvoir participer aux débats endiablés (si, si !) autour de l’inondation de prix et de nominations en tout genre – à mon sens certains prix et nominations n’ont aucun sens, notamment celle de la meilleure musique aux Oscars. Mais je vous conseillerai ensuite de voir les originaux des films auxquels Michel Hazanavicius a voulu rendre hommage. Au risque de passer pour une snob puriste !

Un film de : Michel Hazanavicius
Pays d’origine : France
Avec : Jean Dujardin , Bérénice Béjo, John Goodman, James Cromwell, Malcom McDowell
Durée : 1h40
Date de sortie en France : 12 octobre 2011
Vu en : VO
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Tatoe

Tatoe est une rousse cinéphile, collègue et consœur de Diraen et qui publiera essentiellement des critiques ciné - même si elle essaie secrètement de convaincre Diraen de la laisser faire des critiques musique sur ce blog (tout en pensant qu'en vrai elle serait infoutue de mettre des mots sur ce que la musique peut lui faire ressentir).

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